Lauren Yeager – apprendre pour enseigner

Comment devient-on professeur de broderie? Le parcours de Lauren est tissé de mille nuances qui lui permettent aujourd’hui d’offrir un large choix de techniques à ses élèves.
Photos – © Lauren Yeager – photos protégées par copyright – merci
Texte de Lauren Yeager sur des questions de Claire de Pourtalès

Je m’appelle Lauren Yeager et je suis originaire d’un comté au nord de St. Louis, Missouri, aux États-Unis. Quand j’étais petite, il n’y avait pas grand-chose à faire pour un enfant, surtout si vous n’étiez pas intéressée par le sport. Alors, j’ai fabriqué des choses pour m’amuser, pour remplir le temps après l’école et les week-ends. Au début, je fabriquais des costumes et des objets pour poupées à partir de petits bouts de tissu et de fil. Aucun de mes parents ne faisait ça, donc je n’avais aucune idée de la façon dont les choses étaient censées être organisées. Je me suis juste amusée à essayer. La beauté des matériaux me suffisait, donc peu importait ce que je faisais avec eux.

À cette époque, j’étais fascinée par les objets d’héritage que d’autres possédaient. Je rendais visite à un ami et il y avait une sorte de courtepointe ou de tenture murale qui avait l’air faite à la main et inhabituelle ou très ancienne, et je demandais des explications à ses parents. J’obtenais une longue histoire de famille, des informations sur la personne qui l’avait faite, et pourquoi, à qui il appartenait jusque-là et jusqu’où il avait pu voyager au fil des ans. L’idée d’une histoire familiale enregistrée à travers des objets n’était pas le genre de chose que j’avais rencontrée auparavant. Les histoires étaient vivantes et ressemblaient à des contes folkloriques personnels ; beaucoup d’entre elles semblaient très embellies ou juste fausses, mais c’était amusant d’entendre parler de gens qui avaient vécu avant, et quel genre de vie ils avaient avant les ordinateurs et toutes les autres choses que nous avons maintenant que vous pouvez simplement acheter sans avoir besoin de les faire.

Au lycée, j’ai continué à m’intéresser à l’histoire et aux matériaux, mais je me suis tournée vers la confection de costumes pour des personnes plutôt que pour des poupées. La confection de costumes m’a conduite à imaginer un métier de créateur pour mon avenir. J’aimais participer à des compétitions et confectionner des costumes aux ornements extravagants, principalement basés sur le travail de l’un de mes artistes préférés, Yoshitaka Amano. Je trouvais ses peintures très belles, et elles étaient pleines de couleurs et de motifs, avec beaucoup de contraste et de variété dans chaque pièce. Elles véhiculaient des humeurs intenses qui pouvaient être lourdes ou légères, et même maintenant, lorsque je suis bloquée sur le travail, je sors l’un de mes livres d’illustrations de Yoshitaka Amano et essaie de dépasser mon blocage en regardant ses peintures. La couleur dans le design est, à mon avis, l’élément le plus important de la fabrication d’une pièce.

J’étais très compétitive du lycée à l’université, et j’ai toujours pris soin de concevoir des choses qui avaient besoin d’être embellies. Ce n’était pas compliqué au début, mais j’en faisais beaucoup. Les vêtements pouvaient avoir 10 000 perles ou des garnitures cousues à la main. Le tissu était parfois aussi peint. J’ai passé beaucoup d’heures sur chacun d’eux. Une fois que j’ai su que je voulais me lancer dans une profession purement manuelle, les projets se sont généralement éloignés des choses qui seraient portées. Je pense que beaucoup de brodeurs de nos jours ne veulent pas porter les broderies qu’ils ont faite parce qu’ils craignent qu’elle ne soit abîmées. Mais je travaille de temps en temps sur quelques pièces pour des clients qui souhaitent en porter.

Au cours des deux dernières années, j’ai commencé à fabriquer à la main des vêtements du 18ème siècle, mais c’est plus pour apprendre le processus que pour n’importe quelle production théâtrale ou installation artistique.

À l’université, j’ai étudié le stylisme et j’espérais que ce serait une formation pour travailler pour l’opéra. Je voulais apprendre formellement, à l’école, toutes les méthodes de construction correctes avec lesquelles j’ai eu du mal à confectionner des costumes par moi-même. J’avais gagné quelques prix à ce stade, mais je savais que je devais aller plus loin dans l’aspect technique de la confection de vêtements. J’ai passé un bon moment à faire mes études de premier cycle et j’ai ensuite travaillé pour Nick Cave Art en tant que technicienne en couture. À partir de là, je me suis lancée directement dans un programme de Maîtrise en conception de costumes. À l’époque, je pensais que c’était la meilleure façon de suivre une formation, mais j’ai découvert que de nombreuses formations en costumes aux États-Unis ne préparent pas vraiment leurs étudiants à des normes techniques élevées en matière de construction.

Dans l’école que j’avais choisie, j’étais très déçue par tant d’attention portée au concept, ou au design. Construire les costumes eux-mêmes était plus une réflexion après coup. Il y avait aussi cette sorte de complexe de supériorité que les étudiants designers avaient sur les techniciens qui construisaient les spectacles chaque année. Pour moi, cette attitude était si myope! Tout ce que je pouvais penser était : s’il n’y a pas de techniciens qui fabriquent les costumes des créateurs, peu importe à quel point leurs dessins sont intelligents. Ces créateurs avaient également une très mauvaise compréhension des matériaux et du choix des choses adaptées à un vêtement particulier. Ils n’étaient pas non plus capables de faire de bons modèles. Cependant, rien de tout cela n’est venu d’un manque d’opportunités ; encore une fois, l’attitude dominante semblait être que le travail technique serait toujours le problème d’une autre personne.

J’ai quitté la formation peu de temps après, décidant que j’allais étudier avec des fabricants accomplis eux-mêmes et continuer de travailler dans la production d’art en couture à la main. Encore une fois, je suis retournée chez Nick Cave Art en travaillant sur des combinaisons sonores et des installations artistiques. J’avais toujours utilisé des machines à l’école et j’en utilise encore une maintenant pour fabriquer différents articles pour les clients, mais j’adore la couture et la broderie à la main, et je savais déjà qu’une carrière dans les produits purement faits à la main était possible, même si c’est difficile. J’ai alors connu la Royal School of Needlework, et c’est là que j’ai commencé à étudier la broderie à ce niveau de formation professionnelle. Il y avait des enseignants qui vivaient de leur travail avec un tel corpus de connaissances et d’expérience !

J’ai commencé à étudier la broderie japonaise en 2013. Les cours que j’ai suivis étaient un mélange de cours en personne et en ligne, dispensés par une charmante enseignante du Japanese Embroidery Center (JEC) du nom de Karen Plater. Je suis actuellement au niveau 9 sur dix dans leur programme. J’ai l’impression que ma patience et ma précision se sont vraiment développées avec la broderie japonaise. Lorsque vous travaillez en production, la vitesse est souvent très importante ; cependant, en broderie, d’un point de vue professionnel, la vitesse doit vraiment être mariée à la compétence. La broderie japonaise est très exigeante, et tout en apprenant différentes techniques, vous devez vraiment ralentir au début pour comprendre comment fonctionne une technique particulière. Cela m’a aussi donné une bonne expérience du travail de la soie. Je pense qu’il est très important de faire attention lors de l’apprentissage d’une nouvelle compétence ou lorsque l’on travaille avec un nouveau matériau. Lorsque je conçois pour moi-même, j’ai tendance à travailler la soie et les fils métalliques, par opposition aux autres fibres.

J’ai pu étudier chez Lesage par un coup de chance. J’ai eu des occasions inattendues d’y aller, et donc j’y suis allée ! Lesage utilise de nombreux matériaux différents sur une seule pièce. De manière générale, la plupart des projets ou des kits que les gens peuvent essayer ne contiennent que du fil à broder ou de la laine, et l’ensemble du kit ou de la classe ne se fera qu’avec ce type de fibre. J’aime ce look dynamique de nombreux matériaux qui se réunissent pour créer une chose. De plus, l’utilisation du crochet sur un métier rend le travail plus rapide que d’autres techniques, vous avez donc toujours l’impression d’avoir bien avancé dans votre travail à la fin de la journée, et ce n’est jamais une mauvaise chose !

J’étais un peu folle d’avoir tout commencé d’un coup, tout en travaillant à temps plein dans un atelier d’artiste. Juste pour gagner du temps libre, je travaillais généralement 12 heures par jour professionnellement, puis je travaillais sur mes devoirs de broderie chaque fois que je le pouvais. Je ne le recommande pas car c’était parfois très écrasant et très cher. En ce qui concerne les nouvelles classes, je suis toujours à l’affût de quelque chose d’inhabituel à faire. J’espère être de retour en Europe peut-être l’année prochaine pour faire quelques recherches si cela peut être possible.

En ce qui concerne la partie pédagogique, je trouve que l’accès aux écoles d’artisanat basées aux États-Unis étant assez limité, les gens ne voient souvent pas de valeur dans ce type de travail simplement parce qu’ils n’en ont aucune expérience. Je veux partager ma formation et la rendre disponible là où elle pourrait autrement disparaître. Je pense aussi que la broderie, en tant que l’une des plus anciennes formes d’art au monde, a beaucoup à offrir aux gens, pour s’exprimer à travers la créativité, et cela peut aussi être un moyen de se connecter avec le passé à la fois d’un point de vue culturel et d’une expérience vécue. Nous vivons maintenant dans un monde où la production de biens et ce qui est sacrifié pour fabriquer ces biens est un récit très aseptisé aux États-Unis. Les gens ont tendance à penser que les machines font l’essentiel du travail pour fabriquer leurs vêtements, alors que ce sont souvent d’autres personnes, dans des conditions extrêmement difficiles. Je pense que c’est un bon exercice de passer par le processus de création de quelque chose au lieu de simplement l’acheter au magasin. Si une personne passe des heures et des heures à fabriquer quelque chose, il y a de fortes chances que l’article soit plus apprécié et mieux entretenu à long terme, et elle ne sera pas pressée de le remplacer par quelque chose de courte durée et à la mode.

Qu’en est-il de votre amour des pièces historiques ?
La période Meiji au Japon est l’une de mes préférées, ainsi que la période Heian. Je m’inspire des couleurs utilisées et de l’accent mis sur le changement des saisons dans différents types de pièces. J’aime aussi beaucoup l’Angleterre du 17ème siècle, car encore une fois, il y a un sentiment de liberté d’expression dans les pièces que vous voyez de cette époque. Les compositions, bien que stéréotypées à certains égards, ont beaucoup de caractère. Je peux me faire une idée de la personnalité du fabricant dans les stumpwork de l’époque. Bien que j’aime regarder des motifs formellement composés qui s’imbriquent et se répètent à l’infini, et qu’une bonne dose d’habileté est nécessaire pour développer quelque chose comme ça, je n’aime pas faire de la broderie comme ça très souvent. Cela semble restrictif.

Parlez-nous de votre travail à la San Francisco School of Needlework and Design (SFSND)
J’ai toujours aimé enseigner, donc j’aime enseigner avec la San Francisco School of Needlework and Design. J’ai rencontré Lucy Barter en 2013 qui allait co-fonder l’école avec Elice Sperber, que j’ai également rencontrée lors de mes études à la RSN. J’ai l’impression d’avoir toujours enseigné un peu, moins formellement bien sûr, mais maintenant j’enseigne plus souvent et selon un horaire. Je pense que je serai aussi toujours étudiante. Il y a des centaines, voire des milliers de choses à apprendre en tant que brodeur, et vous ne pouvez pas tout apprendre en une seule vie. Quant à la pandémie, elle a déplacé mon travail vers l’enseignement en ligne, ce qui, à mon avis, est meilleur à long terme pour les étudiants qui ne peuvent pas voyager facilement. C’est donc devenu une école plus grande de cette façon. Je rencontre des gens du monde entier qui aiment tous coudre, et c’est très enrichissant.

Les commandes pour moi peuvent être une aubaine en matière de conception où j’obtiens toute la liberté créative que je peux souhaiter, et elles peuvent également provenir de clients qui ont quelque chose de particulier en tête. En raison de ma grande variété d’études, je peux faire beaucoup de choses différentes. Vous pouvez vivre de commandes en tant qu’artiste, mais il est très important de négocier un salaire décent pour votre travail. Trop d’artistes s’efforcent d’apaiser les clients qui demandent trop pour trop peu de salaire. Au début d’une carrière, il est difficile de ressentir votre valeur même lorsque vous avez une compétence cultivée, mais vous devez le faire, sinon le travail devient intenable et vous ne pouvez pas survivre uniquement avec « l’exposition ».

J’ai une question au sujet de votre pièce de courtepointe. On dirait du Boutis (technique provençale)…
C’est une reproduction d’un jupon matelassé du 18e siècle. L’original est tiré d’un livre intitulé : Fitting and Proper. Depuis longtemps, je vais veux créer un jupon matelassé et je voulais qu’il soit assez exagéré en ce qui concerne le design réel. J’ai regardé de nombreux jupons différents et je ne suis pas vraiment tombée amoureuse d’un motif jusqu’à ce que je trouve le livre que je viens de mentionner. Ce n’est pas du Boutis, bien que j’aie un peu étudié cette technique et que j’ai imaginé choisir cette méthode de fabrication. Cependant, l’original utilisait 18 points par pouce et, pour être réaliste,  je ne pensais pas le finir avant de nombreuses années. Pour obtenir la proximité de la couture et la ligne continue de l’original, j’ai choisi un point arrière, et j’ai environ 4 à 5 points par cm avec un fil à matelasser en soie. J’ai un peu souffert sur ce travail, mais encore une fois, même avec mon processus plus rapide, il a fallu des centaines d’heures pour quilter sur une période de 6 mois. Le motif complet mesure 132 cm sur 76 cm, et cela a dû être doublé, donc au total : 264 cm de largeur totale, sur 76 cm de hauteur. Le jupon a maintenant été coupé et l’ourlet fini, mais le jupon doit encore être plissé en haut.  C’était quelque chose que je me sentais poussée à faire. J’imagine que je vais aussi faire un costume complet et peut-être le soumettre à un concours, mais je n’en suis pas vraiment sûre.

Compte Instagram